Roy Lichtenstein

May 11, 2020 Zoé Schreiber

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Roy Lichtenstein, Sunrise (detail), oil on canvas, 91,74x172cm, 1965.

Nouvelle aube, nouveau jour, nouvelle vie, chantait Nina Simone. Ce lever de soleil stylisé de Roy Lichtenstein (1923-1997) semble annonciateur de la promesse du “jour d’après”.

Roy Lichtenstein, Tire, 1962

Roy Lichtenstein, Kiss V, 1964

Roy Lichtenstein, Girl with Ball, 1961

Roy Lichtenstein, Still Life with Goldfish, 1972.

Figure emblématique du Pop Art, l’artiste américain est d’abord et avant tout connu pour ses toiles iconiques inspirées par la publicité, la culture populaire et la bande dessinée. Immédiatement reconnaissables, ses agrandissements de cases de BD reprennent les codes graphiques de l’image imprimée. Contours noirs, aplats de couleurs primaires, plans rapprochés, bulles de textes et trames de points Ben-Day sont sa marque de fabrique. Artiste prolifique, il s’approprie et ré-interprète des extraits de “comics”, peint en noir et blanc des objets du quotidien, propose une relecture des œuvres qui ont marqué l’histoire de l’art sans négliger pour autant d’autres médiums tels que la gravure, la sculpture et la céramique. “Plus mon travail est fidèle à l’original, plus il est critique et lourd de sens,” se plaisait-il à dire.

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Frank Stella

May 8, 2020 Zoé Schreiber

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Frank Stella, Labyrinth, oil and graphite on canvas, 30.7 x 31.1 cm, 1960

La toile représente un labyrinthe blanc peint sur un fond bleu. Si le centre du dédale accroche notre regard, on se plaît à croire que le cheminement vers la sortie ne sera pas trop ardu.

Frank Stella, Zambezi, 1959

Frank Stella, Hyena Stomp, 1962

Frank Stella, Effingham II, 1966

Frank Stella, Harran II, 1967

Artiste incontournable, l’américain Frank Stella (1936-) n’a de cesse d’explorer, tant dans ses peintures, dans ses gravures que dans ses sculptures, le rapport entre formes et couleurs. Dans les années 60, sa démarche radicale, en rupture avec l’expressionnisme abstrait, préfigure l’avènement du minimalisme. L’austérité géométrique de ses “black paintings” le propulse sur le devant de la scène artistique new-yorkaise. Au fil du temps, il remplace les rayures de ses monochromes par la flamboyance de couleurs qu’il applique par bandes répétitives avant de faire fi des carcans traditionnels et de tendre ses toiles sur des châssis sculptés. Ses “shaped canvas” (toiles découpées) de formats variés deviennent des objets sculpturaux à part entière. “La couleur possède sa propre substance picturale” et “ce que vous voyez est ce que vous voyez.”

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Candida Höfer

May 7, 2020 Zoé Schreiber

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Candida Höfer, Palais des Beaux-Arts, Bruxelles III, c-print, 180x241cm, 2006

Dénuée de toute présence humaine, cette photographie de Candida Höfer (1944-) fait écho à notre réalité et nous livre une vision solennelle du Palais des Beaux-Arts de Bruxelles.

Candida Höfer, Bibliothèque Nationale de France XXIII, 1997

Candida Höfer, Trinity College Library Dublin I, 2004

Candida Höfer, Hermitage St. Petersburg VIII, 2014

Candida Höfer, Musee du Louvre Paris XXI, 2005

Affiliée à l’école de Düsseldorf, la photographe conceptuelle allemande est l’une des figures majeures de la scène artistique de la seconde moitié du XXème siècle. Photographe de l’absence et du vide, elle privilégie dans ses tirages monumentaux une esthétique du constat: ses cadrages sont frontaux, ses compositions symétriques, et ses prises de vue véhiculent une certaine distance voire un détachement. Fascinée par l’architecture, elle fait ressortir dans ses typologies l’atmosphère qui imprègne les centres névralgiques de la vie culturelle. Elle documente, aux quatre coins du monde, les intérieurs de bibliothèques, musées, églises, salles de concert, théâtres et opéras. Pour citer l’historienne de l’art Marie-Laure Bernardac: “le secret de lʼefficacité et de la beauté de ces images tient sans doute à ce paradoxe entre la présence et lʼabsence, entre le dépouillement, la clarté de lʼimage et le mystère qui sʼen dégage.”

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Michael Craig-Martin

May 5, 2020 Zoé Schreiber

L’objet qui se détache sur le fond bleu est reconnaissable entre mille. Bien que Michael Craig-Martin (1941-) ne nous donne à voir qu’un détail de l’iPhone, le plan resserré mobilise immédiatement notre imagination.

Michael Craig-Martin, Cassette, 2002

Michael Craig-Martin, Untitled (Tennis Racket Fragment Yellow), 2017

“Michael Craig-Martin - Sculpture”

Depuis la fin des années 70, l’artiste conceptuel et peintre irlandais dresse l’inventaire des objets iconiques qui peuplent notre quotidien et, en les exposant dans toute leur banalité, questionne l’essence même de l’œuvre d’art et notre perception du réel. Il dessine ses natures mortes stylisées à même les murs et ses aplats de couleurs acidulées sont très contrastés. Les objets mis en scène dans ses tableaux et ses sculptures monumentales retracent de manière implicite l’évolution de nos habitudes de consommation et, ses œuvres les plus anciennes, documentent de facto notre rapport au désuet et à l’obsolète. “Mon travail est à la fois simple et élaboré… Ma conception de la société est que les choses qui nous unissent se trouvent à un niveau très simple, au niveau des actes ordinaires qui nous sont nécessaires pour survivre.”

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