Thomas Demand

March 21, 2025 Zoé Schreiber

Le cerisier, symbole de renouveau, de vitalité et de beauté…

Thomas Demand, Pond, 2020

Thomas Demand, Werkstatt / Workshop, 2017

Thomas Demand, Kontrollraum / Controlroom, 2011

Thomas Demand, Grotte / Grotto, 2006

Artiste allemand, Thomas Demand (1964-) explore les rouages de la construction des images. À la lisière de l’illusion et de la fiction, ses photographies grand format documentent une réalité construite de toute pièce. Dépouillés de toute présence humaine, les architectures et les décors qu’il offre à notre regard sont certes vraisemblables mais factices. En effet, son processus consiste à créer des maquettes hyper réalistes en papier à échelle réelle, inspirées d’images puisées dans les médias, qu’il photographie avant de les détruire. Ses oeuvres interrogent le statut documentaire de la photographie, la porosité entre l’objectivité et la subjectivité, entre le "vrai" et le "faux", entre le réel et le facsimilé. Selon ses propres mots: « La photographie n'est pas une réalité, mais une représentation qu'il faut déchiffrer. »

Copyright © 2025, Zoé Schreiber

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Jun Ahn

March 20, 2025 Zoé Schreiber

« On n'a jamais fait de grande découverte sans hypothèse audacieuse. » — Isaac Newton

Jun Ahn, One Life (2017) #002, HDR ultrachrome archival pigment print, 30 x 40 inches, 2018

Jun Ahn, Gravity #004, HDR ultrachrome archivale pigment print, 40 x 60 inches, 2013

Jun Ahn, One Life (2014) #003, HDR ultrachrome archival pigment print, 35 x 24 inches, 2014

Jun Ahn, Gravity #010, HDR ultrachrome archival pigment print, 2014

Dans sa série intitulée One Life/Gravity, la photographe sud-coréenne Jun Ahn (1981-) immortalise des pommes suspendues en plein air dans des lieux divers et variés. Surréalistes mais ancrées dans le réel, ses photographies non truquées font penser à la genèse de la théorie de la gravitation universelle certes mais lui permettent aussi de visualiser une certaine conception de l’impermanence et la transcendance. « J’utilise la gravité et le phénomène de chute libre comme une métaphore du memento mori. »

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Hildebrando de Castro

March 14, 2025 Zoé Schreiber

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Hildebrando de Castro, BEAUBOURG #4 (Série Centre Pompidou), acrylic on canvas, 180 x 140 cm, 2021. Image courtesy the artist and GaleriaZipper and Paulo Darzé Galeria

« Bâtir, c’est raconter des histoires. » — Renzo Piano

Hildebrando de Castro, Brise, acrylic on wood, 56 x 56 x 6 cm, 2022

Hildebrando de Castro, Takashi - Shinjuku, acrylic on canvas, 200 x 250 cm, 2016

Hildebrando de Castro, Brise, acrylic on wood, 100 x 70 cm, 2023

Hildebrando de Castro, HO, acrylic on canvas, 150 x 100 cm, 2021

Depuis la fin des années 70, la recherche de la précision constitue le fil rouge de la pratique artistique d’Hildebrando de Castro (1957-). Le peintre brésilien s’adonne à la figuration (portraits et paysages) avant de tendre vers l’abstraction et de mettre en exergue dans ses tableaux détails architecturaux et plans rapprochés de façades. Dans sa série entamée en 2010 et intitulée Janelas (fenêtres), il retranscrit avec minutie la géométrie des formes, des ombres et des volumes et joue sur les effets d'optique. Il s’appuie sur ses propres photographies et fait la part belle au modernisme tropical de son pays natal, aux brise-soleil qui modulent la lumière du jour mais aussi aux constructions et aux bâtiments qui, à l’instar de Beaubourg, attirent son regard. Pour citer Le Corbusier: « L’architecture est le jeu savant, correct et magnifique, de formes assemblées dans la lumière. »

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Antoine d'Agata

March 13, 2025 Zoé Schreiber

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Antoine d'Agata, VIRUS, Day 0 of France lockdown, Paris, France, archival pigment print, 2020. Image courtesy the artist and Magnum Photos et Les Filles du Calvaire

« Ma nécessité était de montrer quelque chose d'invisible, d'intangible. Je devais montrer la peur, l'appréhension, la douleur dans l'hôpital. (…) L'appareil photo thermique permet d'explorer d'autres niveaux de réalités, de photographier les êtres et les objets de l'intérieur. » — Antoine d’Agata